Community: A falta de cine bones són series.

Ja fa un mes de l’últim escrit. Els dies passen i la única pantalla que s’il·lumina davant meu és la pantalla de l’ordinador. Les pel·lícules s’estrenen i cauen de la cartellera a la velocitat del “Turbo Boost” del Kit, gairebé sense ni tan sols tenir temps de dir “ Aquella la volia veure”. Així que esperant pacientment a que arribin temps millors, que per sort serà aviat, una escapadeta davant de la tele és l’únic que de moment puc permetre’m. Afortunadament, aquests temps d’estrès m’han ajudat a descobrir una petita gran joia en el fantàstic món de les series de televisió, i és que ja ho diu la dita: “no sólo de pan vive la torrija”.

Dintre de les series de televisió les propostes són infinites, però hi ha un tipus de series que exigeix molt poc i dona molt a canvi. Les comèdies televisives únicament demanen vint minuts setmanals, deixen de banda les trames complicades i els drames intensos i provoquen des d’un petit somriure a una gran riallada.  Comèdies com Cheers, Seinfeld, Frasier i Friends  (¡Qué tiempos aquellos!) van marcar a tota una generació, o dues, amb personatges entranyables, situacions delirants i, sobretot per ser la garantia de fer-te passar una estona enganxat a la pantalla sense més preocupació que la de passar una bona estona. Des de llavors moltes series han intentat agafar el relleu ( The Office, Scrubs, Curb Your Enthusiam, Two and a Half Men,...) la majoria amb més pena que gloria i, tot i que els últims anys algunes series s’havien autoproclamat triomfadores pel que fa al número de seguidors, per un amant d’aquelles velles però ben conservades glòries li resulta difícil trobar un producte a l’alçada. How you meet your mother és només una còpia actualitzada de Friends amb el problema afegit que el protagonisme no recau sobre tot el conjunt de personatges sinó només en un de sol. I Big Bang Theory, que peca del mateix, queda a l’alçada de les sabates si has vist The IT Crowd: anglesa, més original i mil vegades més freak. Ara bé, els últims dos anys dues series han despuntat sobre la resta: Modern Family i Community (sobretot!). Dos series molt diferents però amb una efectivitat semblant.

Modern Family és la sèrie que està acaparant l’atenció de la crítica americana i la que s’està emportant tots els premis, i la veritat, raons no li falten. Els seus creadors Cristopher Lloyd i Steven Levitan (guionistes d’altres series com Frasier) han sabut crear una sèrie coral on cada personatge té personalitat pròpia  ajuntant tres estereotips de models familiars actuals com són una parella heterosexual amb tres fills, una parella homosexual que acaba d’adoptar una nena i un home madur recentment casat amb una dona colombiana molt més jove que ell i  amb un nen pre adolescent, alhora tots formant part de la mateixa família. Tot i que són deu personatges i tres fils argumentals, els capítols de només vint minuts no es veuen perjudicats, sinó tot el contrari, cada personatge té els seus moments de protagonisme i el ritme argumental és trepidant. Una sèrie que renova el gènere de les comèdies familiars donant a les situacions quotidianes un aire fresc que omple els pulmons de somriures.

Community és un cas apart, la gran tapada d’aquest any és una sèrie diferent, tot i que també aporta un percentatge d’aire renovador és una tornada a les series grupals dels  anys vuitanta. És una sèrie captivadora de principi a fi. La premissa: un grup d’estudiants d’una universitat de segona o tercera fila que es coneix perquè un d’ells crea un grup d’estudi d’espanyol per lligar amb una noia. A partir d’aquí, originalitat al poder. Tot i que amb un començament una mica ranquejant, la sèrie millora a passes de gegant capítol a capítol servint-se d’estereotips per trencar-los quan li dona la gana, els personatges resulten entranyables, cadascun d’ells aporta una espurna diferent, menció especial per els personatges de l’Abed, Troy i Pierce, que aporten un aire freak surrealista meravellós. Situacions inversemblants, gags imaginatius, diàlegs molt aguts i els capítols homenatge ( a les pelis de zombis, espacials o de la màfia entre d’altres) són els punts forts d’una sèrie que no deixa mai de sorprendre. Hilarant a més no poder amb la que no hi ha dia que no paris de riure, l’única pega aguantar els dos o tres primers capítols, quan aquests passen ja no hi ha qui els aturi. Salvant molt les distàncies, hem recorda en certa manera a Joves, personatge amb personalitat pròpia que veuen en moltes ocasions de la improvisació i on no hi ha una situació que es pugui considerar “normal”. Impossible veure només un capítol cada vegada. IMPRESCINDIBLE!!!!!!

El Català en pantalla gran.

El Parlament de Catalunya va aprovar el mes de juny la Llei del Cinema Català. Aquesta llei preveu que, com a mínim la meitat de les còpies que s’exhibeixin en un cinema a Catalunya siguin produccions catalanes, o bé estiguin doblades o subtitulades en català. Des de llavors, les distribuïdores han mostrat el seu rebuig a la nova llei al·legant que els suposarà més costos, i una pèrdua d’espectadors significativa en un sector que està en crisi.

Les distribuïdores asseguren que el públic no demana ni cinema català, ni cinema en català. En canvi, el català està àmpliament representat en altres àmbits de la cultura com la literatura, el teatre i la música. I a més, diferents mitjans de comunicació com TV3 o RAC1 lideren els rànquings d’audiència. Llavors, si existeix una demanda de cultura en català, el cinema per què hauria de ser diferent? Encara que es tractés d’una falta de costum, estaríem parlant només d’una qüestió de temps. És possible que hi hagi gent que inicialment li costi veure cinema en català, però fa uns anys també podia semblar estrany veure la televisió o escoltar la ràdio, i ara és la cosa més normal del món. D’altra banda, aquesta polseguera que s’ha aixecat, s’ha produït justament un any on les produccions catalanes han estat més presents que mai en els palmarès dels festivals de cinema de l’Estat espanyol. A Màlaga, Herois es va emportar el premi del públic. A Sant Sebastià, Elisa K i Pa negre van ser guardonats. A Valladolid, La Mosquitera, i als passats premis Goya Maria Coll com a directora per Tres dies amb la família. En els festivals, una pel·lícula es premia per criteris de qualitat o perquè ha agradat al jurat. Aleshores, per què el públic que va al cinema ha de ser diferent? Si algú vol veure una pel·lícula serà perquè l’interessa i pensa que pot agradar-li. Amb dades a la mà, durant l’any 2009 el percentatge de còpies en català va representar el 2,9%, mentre que en castellà va significar el 97,1%. Per tant, potser no es tracta tant d’un problema de demanda sinó d’oferta. Si no puc trobar una pel·lícula en català, no puc escollir anar a veure-la.

En el cinema, trobem pel·lícules d’arreu del món i decidim pagar una entrada basant-nos en l’interès que ens desperta i no en l’idioma en el que està feta, sempre i quan la puguem entendre. Llavors, és comprensible donar igualtat d’oportunitats a les dues llengües oficials que conviuen en el nostres país i als espectadors que volen consumir cultura en la seva llengua.

The Social Network

Per sort o per desgracia, tot i que la ciència s’encaparri sempre en intentar-ho demostrar, dos i dos no sempre és igual a quatre. En el cinema, de vegades ens trobem una pel·lícula que ho té tot per ser una obra mestra, i al final, dos i dos no són quatre sinó menys. En aquest cas  de The Social Network el resultat tampoc ha estat el que havia de ser,  dos i dos de vegades poden sumar gairebé infinit.

Un dos d’aquesta senzilla operació matemàtica és sense cap mena de dubte el senyor David Fincher. Algú coneix alguna pel·lícula seva que baixi del notable? Fincher dota de caràcter a tot el que fa i aconsegueix un resultat impecable. Per sobre de tot, Fincher és un gran narrador d’històries i com a tal, és capaç d’enlluernar movent-se per diferents tipus d’històries. En aquest cas, una petita història de personatges amb tendència a la grandesa. Si a The Social Network Fincher és Deu, Aaron Sorkin és l’encarregat d’escriure els deu manaments. Sorkin, un guionista encimbellat en el món de la televisió que en cinema no havia tingut l’èxit esperat, excepte en algun cas aïllat (Algunos hombre buenos), aquí explota les seves virtuts al màxim. 

Agafat a la mà de Fincher, Sorkin crea la llum a partir d’un judici a tres bandes que utilitza de fil de coure per potenciar el que millor fa. Uns diàlegs prodigiosos que et mantenen lligat a una història i uns personatges freds, que tot i que no t’hi sentis identificat  i sàpigues o intueixis el final, no pots esperar el moment de veure el desenllaç. A més, la pel·lícula compta amb un repartiment molt encertat. Jesse Eisenberg, malgrat alguns projectes fallits, ja inclou a la seva filmografia títols com: Una historia de Brooklyn, Adventurland i Zombiesland. Andrew Garfield, el futur Spiderman, compleix amb la tasca de donar emotivitat a la pel·lícula. i Justin Timberlake resulta sorprenent. La banda sonora a càrrec de Trent Reznor és excel·lent, i la llista de cançons no es queda enrere. En definitiva, si existeix algun grup a Facebook amb el nom “Yo también creo que The Social Network és la mejor pel·lícula del año” digueu-m’ho per clicar el botó “ Me gusta” ja.

Nota: 9.0 

Trailer The Social Network

Buried: desenterrant Ryan Reynolds

Si algú et recomana una pel·lícula dient-te que l’argument tracta d’un tio que està enterrat, que només surt un actor, i que durant l’hora i mitja de duració l’acció no surt de dins del taüt, pots pensar que serà una pel·lícula difícil de veure, lenta i pesada. Res més allunyat de la realitat. Buried té un ritme trepidant, les situacions es van succeint gairebé sense descans aconseguint atrapar una sala de cinema dins d’una capsa de dos metres quadrats. L’angoixa traspassa la pantalla només acabar uns crèdits inicials magistrals, just en el moment en que la pantalla es queda en negre i només sentim la respiració del protagonista durant varis segons.

El protagonista universal de la pel·lícula és l’actor Ryan Reynolds, un actor que fins ara era quasi més conegut per ser el marit d’ Scarlett Johansson que per una filmografia mancada d’actuacions destacables. Aquí, l’actor canadenc demostra un savoir faire sorprenent sense el qual la pel·lícula perdría molts enters. Si poguéssim destacar un altre protagonista, sens dubte aquest sería el taüt. Gracies al treball de càmara i  fotografia aquest sembla expandir-se o encongir-se, semblar proper o inaccessible. Plans impossibles i una il·luminació construïda només a partir d’elements presents en escena, creen un clímax idoni que encisa fins al punt que, fins i tot, aconsegueix que t’empassis el truc de màgia “barato”del final.

PUNTUACIÓ: 7'5

Trailer BURIED.

Setembre, quan les "palomitas" es van convertir en crispetes

El mes de setembre per fi ha quedat enrere. Un mes llarg que ha deixat moltes escenes que només servien per omplir, però que també quedarà com el mes en el que vaig veure per primera vegada l’home que treballa fent de gos, la primera victòria per cinc a un o el mes en el què Leonor Waitling va passejar-se per dins del meu ordinador. Però sobretot quedarà per ser el mes de la meva partida cap el món de la comunicació i en el que les “palomitas” van convertir-se en crispetes.

El mes va començar amb la decepcionant “ Un pequeño cambio”. Una pel.lícula a la que se li demana poc i no et dóna res. Jo pensava que per etiquetar un llargmetratge com a comèdia havia de fer riure, però suposo que si surt Jennifer Aniston fent el mateix de sempre és suficient. Si a més a més Jason Bateman no encaixa en el paper, Jeff Goldblum (el paio de la mosca que mai més a fet res de bo) es passa la peli pensant en quan li donaran el xec per marxar corrents a la seva mansió, el nen acaba sent un pesat i el final és una enganyifa. Què més es pot demanar!.

Com a mínim una cosa m’ha ensenyat. No tornaré a veure mai una pel.lícula que es promocioni dient “de los creadores de”. Hauria d’existir un onzè manament que digues: No utilitzaràs el nom de Juno i La petita Sunshine en va.

La setmana següent s’estrenava “Conocerás a l’hombre de tus sueños” i com qualsevol pel.lícula de Woody Alln era una cita obligada. Ai quins records aquell 21 de gener en el que omplia per primera vegada el blog. I quins records de “Si la cosa funciona” l’última peli bona de Mr. Allen encara ara.

He sentit a molts llocs que és una decepció per què gairebé no fa riure. En la meva opinió aquí no resideix el problema. Com és una pel.lícula de Woody Allèn es sobreentén que és una comèdia i no té per què ser així. El problema, per mi, està en què els actors no estan a l’alçada i com a conseqüència els personatges t’acaben donant igual, les situacions no resulten versemblants i  és molt difícil identificar-se. La veritat és que no esperava menys d’una pel.lícula amb Anthony “cara pal” Hopkins i Antonio “cansino” Banderas, però és una llàstima que contagiïn a la gran Noami Watts i companyia i s’acabi fent un llargmetratge llarg fins l’infinit.

Si amb “Un pequeño Cambio” hauria d’existir un onzè manament, Amb el gran Woody només ens queda resar per què tingui més guions de fa trenta anys amagats en algun calaix.

El mes de setembre semblava un camí a l’infern, i la següent estació una partida a la ruleta russa. Archero Mañas signa “Todo Lo que tu quieras”, una aposta arriscada que s’ha emportat mil garrotades de la crítica. El director de “El bola” i “Noviembre“ bé és mereixia una oportunitat. La moneda donava voltes cada vegada més a poc a poc fins que va aturar-se i... Bingo! Va sortir cara! Una història senzilla que no simple, que entreté i emociona. Somriures amargs i llàgrimes dolces són uns companys de viatge comuns a les obres del director madrileny i aquí no podia  ser una excepció.

He sentit que la pel·lícula cau en el ridícul, i és cert que hi ha moments en què el ratlla. Però igualment cert és què se’n surt amb molta elegància. S’ha de tenir en compte que un dels temes que és tracten és la imposició de l’amor propi o l’amor als altres per sobre del ridícul, i això és el que aconsegueix en si mateixa. Sobretot gràcies a uns actors que estan magnífics. Juan Diego Botto i Jose Luis Gómez són peces claus que doten de força i credibilitat a una història tan atrevida i valenta. Ja ho diu el refrany, Més val un director valent mort què un covard viu.

El setembre que fa uns dies semblava no tenir solució anava agafant un gir inesperat. Un gir  que podia canviar definitivament la meva ratxa i “Carancho”m’ho va confirmar. Una pel.lícula estranya, amb uns quinze minuts inicials enigmàtics que desemboquen en una escena crua com poques, obrint-nos els ulls i situant-nos d’un cop de martell en la història que se’ns acaba de descobrir. Tot i tenir un final una mica previsible, el camí gris  i dur, tant per imatges com per rerefons, resulta inesperadament gratificant. La parella protagonista Darín-Gusman transmet molta química recolzats en un bon guió, una grata banda sonora i una fotografia en ocasions exquisida.

La millor manera d’explicar una ratxa, com no, és a partir del futbol. A vegades, fins i tot els millors davanters del món estan diversos partits sense marcar, xuten i xuten fallant ocasions de gol sense aconseguir que la pilota entri dins de la porteria ni una sola vegada. En aquests casos es diu que només fa falta un gol, encara que sigui marcant-lo de rebot i amb el cul,  per fer canviar la sort. “Todo Lo que tu quieras” va ser el meu gol amb el cul, i ara m’espera un mes d’octubre on entraran de xilena i per l’esquadra.“Buried”, “Machete”, “Gru mi villano favorito”, “la red social”, “èxit througt the gift shop” i sobretot el festival de Sitges, m’esperen en un mes d’octubre que es preveu sensacional!

Back to the past ( en inglés el título siempre queda más cool)

Cuando se acaba el mes de agosto y con él el final de las vacaciones, todo parece coger un aire distinto. Es una época del año en la que uno parece hacerse mayor de golpe. Cuando eres niño significa empezar un curso nuevo, tal vez empezar a ir solo al colegio, quizás llegue un aumento de paga... Y cuando creces aunque las cosas son muy distintas esa sensación perdura, cada vez los años parecen pasar más rápido y cuando miras hacia delante te encuentras con un largo año de trabajo por delante. Hay veces en las que uno no presta mucha atención, es una sensación extraña, difícil de detectar, al cabo de unos días desaparece y seguimos hacia delante sin más. Este año esa sensación se ha manifestado en mayor medida  y seguro que tiene que ver que las dos películas que han marcado este final de mes, y por una razón o por otra me han hecho coger mi Delorian y viajar al pasado.

El primer viaje lo hice con The secret of Kells. Esta película animada de Tomm Moore logró colarse en los últimos Oscar para competir con monstruos de la talla de Up, Los mundos de Coraline, Fantástico Mr. Fox y Tiana y el sapo con una propuesta distinta pero  no por ello menos atractiva. En un terreno que parece dominado por la animación made in pc y el stop motion nos encontramos con una película que nos devuelve a los tiempos en que predominaba el trazo clásico. Las animaciones  con toques medievales son de una belleza extrema, elaboradas meticulosamente hasta el último detalle cobrando vida como si de su propia novela gráfica en movimiento se tratara. La banda sonora combina el estilo celta y los cantos gregorianos logrando una comunión perfecta que sobresale en muchos momentos y engrandece aun más lo que estamos viendo. Una maravilla estética que aunque no está del todo bien escoltada por la historia de ritmo irregular y no del todo redondeada, es una lástima que haya llegado a las salas de cine tarde y a cuentagotas. El cine de animación ha dejado de ser desde hace tiempo solo una cosa de niños y The secret of Kells es un buen ejemplo de ello.

El segundo viaje al pasado ha sido de la mano de Sylvester Stalloone y sus mercenarios, o como se tendría que haber titulado: Los prescindibles. La traducción correcta del título original y sin duda mucho más acertada. Cuando se ve una película de Stallone es inevitable volver la mirada atrás i pensar en las sagas de Rambo o Rocky y en películas como Máximo Riesgo. Pero los años pasan para todos, y para algunos más.  Durante toda la película se produce una dualidad entre el deleite y el sufrimiento. Deleite por las fantasmadas propias de una buena película de acción que no engaña a nadie, y el sufrimiento por las escenas en que alguno de los veteranos, y en especial Don Stallone, hacen un esfuerzo físico impropio de su edad. Me tuve que tapar los ojos cuando Sylvester corre desesperado para cogerse del avión en marcha que va a despegar porque pensé que se quedaba en el sitio. Los prescindibles que le acompañan son Jason Statham, el gran heredero de la testosterona. Dolph Lundgren (Ivan Drago en Rocky IV y He-man), Mickey Rourke al que no le hace falta ninguna escena de acción para dar miedo y Jet Li, sin duda el que mejor se conserva, pero ya se sabe, los chinos se pueden meter cien hot dogs en un minuto y no engordar ni un gramo. También aparecen Terry Crews y Eric Roberts y cameos de Arnold “Terminator” Schwarzenegger y Bruce Willis. Los prescindibles es una película de acción decente pero perfecta para desconectar el cerebro una tarde de verano. Lo único que se le echa en falta es alguna que otra frase lapidaria y apariciones de otros grandes del género como Van Damme o Seagal y por supuesto el gran Chuck Norris, ¡el único que ha jugado a la ruleta rusa con  un revolver completamente cargado y ha ganado!

Nolan, el artesano de los puzles.

Había una vez, en una pequeña casa de Londres un niño llamado Christopher Johnathan James Nolan. Christopher siempre había sido un niño distinto a los demás, sus padres siempre se preguntaban de donde le venía la afición por la filosofía y no entendían porqué prefería  quedarse un día entero encerrado en su habitación leyendo a Freud en lugar de salir a jugar a pelota con sus amigos. Intentaban que Christopher se interesara por las cosas “normales “de un niño de su edad pero a él todo eso le parecían bobadas y seguía interesándole más todo lo que pasaba dentro de su cabeza que lo que pasaba fuera. Lo que nadie sabía es que Christopher no podía ser como los otros niños, y es que Christopher no tenía sueños. No es que no tuviera aspiraciones, metas o deseos, simplemente no podía soñar. Cada día se tumbaba en la cama al lado de su hermano Jonathan, se dormía y horas más tarde se despertaba sin más. No comprendía porque era diferente,  así que estaba decidido a averiguar lo que le pasaba. Christopher se pasaba el día haciendo preguntas a sus padres, preguntas que la mayoría de veces resultaban incómodas porque no podían responderlas.  ¿Por qué nuestro cerebro nos engaña creando recuerdos falsos en nuestra cabeza? ¿Somos capaces de engañar nosotros a nuestra memoria? Sus padres no eran capaces de satisfacer la curiosidad de su hijo y trataban de darle distracciones que le supusieran un reto, y a la vez que pudieran entretenerlo para que no hiciera tantas preguntas. Entonces un día decidieron comprarle un puzle. Cien piezas ni más ni menos. Christopher no tardó en resolverlo, aún así, una vez lo tuvo completado sintió que acababa  de hacer algo grande. La alegría no duró mucho, tan solo unas pocas horas hasta que descubrió que sus amigos habían hecho puzles más grandes que el suyo. Esa misma noche Christopher al llegar a casa se encerró en su habitación, desmontó el puzle, cogió unas tijeras y empezó a cortar las piezas hasta que tuvo unas quinientas. No sólo quería hacer un puzle mayor que el de sus amigos si no que le encantaba la idea de crear un puzle mucho más complejo de lo que parecía a priori. Los años fueron pasando, Christopher fue creciendo, y con él también crecían su curiosidad por todo lo relacionado con el subconsciente y su interés por satisfacerla. Devoraba libros sin descanso perdiéndose entre sus páginas horas enteras dejando volar a su imaginación lo más cerca posible de los sueños. Finalmente se graduó en literatura y encontró la manera de sustituir los sueños que no podía tener. Sus sueños eran sus historias que ahora convertía en películas para que otros las pudieran soñar.

En su último “sueño” Origen (Inception) Christopher sigue fabulando a través del Freudismo dando rienda suelta a su ingenio. Origen es una muy buena película que encaja a la perfección dentro de la filmografía del director. Un rompecabezas más complicado de lo que parece en sus inicios compuesto por piezas de Existenz de Cronenberg, Abre los ojos de Amenábar, Dark City de Proyas y Matrix. Todas en mayor o menor medida se alimentan de Freud y Nolan lo que hace es llevarnos al “origen”. Nos mete en los sueños de otros, que es lo que seguro habrá “soñado” él en infinidad de ocasiones, y nos enseña que allí está el principio de cualquier sentimiento, y uno de los más arraigados el de culpabilidad.

El reparto es espectacular, combina juventud y veteranía a partes iguales. Di Caprio, el director de orquestra que parece haberse especializado en hacer papeles de hombres afligidos con una complicada vida familiar, sin hacer un trabajo espectacular consigue una notable actuación con un papel en la línea de Revolutionary road y Shutter Island. Las películas de Nolan siempre muestran las vidas de hombres atormentados perdidos en laberintos complejos. Y aunque en ocasiones con desmedida frialdad y algo de impersonalidad entre los personajes siempre alcanza su objetivo. Los puzles de Nolan al contrario de los demás a medida que se van completando parecen tener una solución más difícil. Gracias a eso la película avanza ganando intensidad apoyada por unos efectos visuales portentosos, las calles doblándose como el cartón parecen inmejorables, pero solo hasta el fragmento del hotel, un auténtico prodigio en el que al igual que a los protagonistas Nolan nos deja suspendidos en aire pero sin ganas de bajar. Ahí Nolan sabe moverse con una armonía que ya quisieran Michael Bay y compañía. Otra cosa es la escena de acción en la nieve previa al desenlace. A las películas de Nolan no le hacen  falta ese tipo de escenas, su capacidad para dirigir es innegable y queda demostrada con la tensión y la intriga que transmite. 

Las escenas de acción desenfrenada, y sobretodo esta, solo sirven para que la productora quede contenta al ver que tiene un gran blockbuster entre las manos y queden justificados algunos ceros del presupuesto. El final vuelve a ser uno de sus puntos fuertes, si en Memento logra un giro excepcional, y en el truco final guardaba un as en la manga, aquí da rienda suelta al espectador para que especule con la continuación de la aventura. ¿Alguien ha desviado un segundo la mirada de la peonza?

Pixar Experience: ¡Hacia el infinito y más allá!

Volviendo a casa después de ver Toy Story 3 me preguntaba qué es lo que estarían haciendo mis “juguetes” mientras yo estaba fuera.  Es posible que Jack estuviera preparando la próxima Navidad, puede ser que Chico Mancha haya lavado su traje de nuevo o que Stewie y el Dr.Maligno hayan ideado un nuevo plan para conquistar el mundo. Es imposible lo sé, pero es el resultado de vivir una “Pixar experience” y hasta dentro de algunas horas no se me habrá pasado.

Una de los requisitos para vivir plenamente una “Pixar experience” es no llegar nunca tarde al cine. Antes de la película, Pixar siempre nos regala un cortometraje que por sí solo ya valdría el precio de la entrada. “Día y noche” es seguramente el mejor corto que han hecho hasta ahora, combinan la animación clásica y en 3D a la perfección para deleitarnos con una auténtica maravilla que es mucho más que un simple telonero del artista principal. Creatividad sin límites. Entonces empieza Toy Story 3 y ya con la primera escena uno se da cuenta de que va a ver un final magistral para una trilogía que raya la perfección. 

Después de tres entregas, la capacidad de asombrar permanece intacta y te vuelve a seducir sin perder ni una pizca de originalidad. Este último capítulo es mucho más adulto que los anteriores, y a la vez capaz de provocar muchas más risas. Con una historia madura y gamberra a partes iguales nos demuestra que las obras maestras son universales y que pueden emocionar y arrancar carcajadas a todos por igual. El ritmo es trepidante de principio a fin, sin descanso las sorpresas se suceden una detrás de otra a cada cual mejor que la anterior. Todos los personajes principales tienen más peso en la película y los nuevos destacan sin ensombrecer a los demás. Sobre todo Mr. Potato y Ken a los que pido enérgicamente que los nominen al Oscar a mejor actor de reparto y al Globo de oro a mejor actor de comedia. En todo momento las risas y las emociones van cogidas de la mano consiguiendo que este sea el mejor episodio de los tres, y que sea recomendable tanto para los fans de la saga como para los que no les acabaron de convencer las dos primeras. ¡UNA AUTéNTICA OBRA MAESTRA!

Una hora más en Canarias

Alguien no hace mucho me dijo: “No hay peor cosa que vivir permanentemente en la mediocridad y no querer salir de ella”. Una hora más en Canarias de David Serrano es una película que nace, vive y muere en la mediocridad, casi sin intentar en ningún momento salir de ella y que cuando lo intenta acaba muriendo en la más absoluta vulgaridad.

 La fórmula es la misma que la que Serrano había utilizado en “El otro lado de la cama” y en la segunda parte “Los dos lados de la cama”, pero en esta ocasión el resultado es muy distinto. Si bien las películas anteriores sin ser una auténtica maravilla cumplen con su cometido siendo graciosas y entretenidas,  esta última no hay por donde cogerla. Las escenas graciosas se limitan a las apariciones de Miren Ibarguren, dos o tres en toda la película, y alguna que otra escena aislada. Lo ligeramente destacable aparte del trabajo de Ibarguren, son las actuaciones de Quim Gutierrez y en algún momento Eduardo Blanco. Y dentro de lo muy destacable, negativamente claro, seguro que entrarían la mayoría de los apartados técnicos, el resto del reparto (en especial las dos protagonistas femeninas Angie Cepeda y Juana Acosta) y el desenlace de la película. Todo desastroso a partes iguales.

Al ver los primeros planos uno piensa que tal vez la película se vea pobre porque tenía un presupuesto bajo, o porque se gastaron mucho dinero rodando en las Canarias, o porque con la crisis que vivimos han querido dar ejemplo.  Pero cuando la historia va avanzando te das cuenta de que el dinero invertido en rodar en las islas se lo podrían haber ahorrado, porque sabemos que son las Canarias, igual que podría haber sido Isla fantasía o el mismo Springfield de los Simpsons, bueno de haber sido así hubiese tenido más gracia seguro.  La parte del presupuesto invertida en las actrices principales la deberían haber destinado a contratarles un profesor para que recuperaran las campanas que seguro que hicieron en la escuela de interpretación porque es ahí en lo único en que la película consigue salir de la mediocridad pero para caer más abajo.  Hasta se echa de menos la publicidad subliminal porque ni siquiera han sabido invertir el dinero que han ganado tapando la pantalla con anuncios tamaño XXL en un buen “departamento musical”. Las canciones mediocres, coreografías mediocres,  banda sonora mediocre. Hasta un concierto de los que hacen en Isla fantasía hubiera estado mejor.  Aún así un mal día, o una mala peli, la tiene cualquiera. Confiemos en que la próxima sea mejor y en que el director no se haya convertido en un “niño melón”.

Por suerte aún queda verano, y para septiembre “Una hora más en Canarias” solo será un recuerdo borroso como si de una insolación se tratase. Un recuerdo seguro eclipsado por Toy Story 3 (el próximo comentario en el blog) y esperemos que también por Origen (Inception).

“ASSquerositamente” sorprendente.

Recuerdo una mañana de sábado, a principios de Octubre de hace algunos años ya,  cuando un amigo me invitó a ver una peli de polis en el Festival de cine de Sitges. Nada más llegar y ver el cartel me quería morir. El típico póster, con la típica pareja de polis en la típica pose chulesca y en letras enormes HOT FUZZ. Me pasé la media hora de cola poniendo a parir la peli que todavía no había visto, el póster y a mi amigo por prepararme semejante encerrona para acompañarlo a ver lo que prometía ser una auténtica bazofia. Al final la peli no solo no resultó ser tan mala sino que me encantó, tanto que ahora está en mi estantería. Y es que sin duda una de las mejores cosas que te pueden pasar cuando vas al cine (aparte de que nadie coma palomitas a tu lado)  es cuando no sabes o no te esperas nada de una peli y te lo acabas pasando genial. 

Kick-Ass es uno de estos casos. Seguramente no sea un ejemplo tan flagrante como Hot Fuzz, pero es una de esas películas que aunque parece que deba moverse en la mediocridad consigue despuntar en muchos momentos logrando un gran todo. En el inicio Kick-Ass da a entender que será una película más, que pasará sin pena ni gloria con su humor blanco inmaculado, y que quedará en el olvido días o incluso horas después de haberla visto. Pero con la aparición de los personajes secundarios se evidencia que no será así. Aaron Johnson (Kick-ass) no está mal como protagonista, pero queda eclipsado por completo con la aparición de Nicolas Cage y Chloe Moretz  (Big Daddy y Hit Girl). Sobretodo ellos, y en ocasiones Christopher Mintz-Plasse y Mark Strong, los malos malotes, hacen cambiar de rumbo la película dándole un toque de acción Tarantiniana que le sienta de maravilla. La blancura queda atrás y las salpicaduras de sangre mantienen con vida la película hasta el final. El Nicolas Cage más sobreactuado y una niña de nueve años convertida en una máquina de matar quitan interés al personaje principal, pero a la vez regalan los mejores momentos de la película manteniéndola con vida. Además, hay que valorar el buen hacer técnico a lo largo de casi todo el film, el que consiga ser un divertimento continuo más que plausible con varios momentos álgidos que enganchan y que es una película que no engaña a nadie, la película idónea para simplemente pasar una buena tarde.

Dos amantes y una muñeca de carne y hueso.

Si en algo se caracterizan las películas de James Gray es sobre todo en que son siempre películas de buenos actores e interpretaciones apoyados en un muy buen guión. Two lovers no es una excepción.

En Two lovers Gray se acompaña de Joaquin Phoenix para meternos de lleno en la vida de Leonard Kraditor, un joven que sufre de trastorno bipolar interpretado de manera meticulosa y escrupulosa con un resultado excelente. Sin duda lo mejor del film y lo que lo lleva a un nivel más allá. A cada lado de Phoneix, encontramos a Gwyneth Paltrow y Vinessa Shaw que como si de dos extensiones de su personalidad se trataran le acompañan  haciendo un trabajo espléndido sin nada que envidiarle. Los tres crean un triángulo amoroso crudo y desconcertante en el que cada lado adyacente supone un estado de ánimo, la euforia más desenfrenada y la depresión más profunda. Siempre caminando por el borde del precipicio sin saber el lado en el que se va a caer ni cuál es el más profundo. Además hay que sumarle el buen hacer de Elias Koteas y sobre todo de Isabella Rossellini que convierten sendos pequeños personajes en papeles que consiguen no sólo llenar la pantalla sino también estar a la altura de las demás actuaciones.

En lo que al apartado técnico se refiere, Two lovers cuenta con una banda sonora correcta, que acompaña sin grandes estridencias pero que no pasa desapercibida. Y una fotografía acertada, austera y gris como la visión que tiene Leonard de su vida y que se acopla perfectamente dentro de este pequeño y complicado rompecabezas.

Si hablamos de la cualidad de darle vida a una fotografía excelsa tendríamos que hablar indiscutiblemente del cine japonés, y en este caso concreto de Hirokazu Koreeda. El director de Nadie sabe y Hana es un ejemplo perfecto de la capacidad de unir en un mismo fotograma la belleza más intensa y la crudeza más impactante. Air Doll se empapa de ese talento y lo aprovecha al cien por cien.

Koreeda nos cuenta la historia de Nozomi, una muñeca hinchable que un día cobra vida. Una muñeca con corazón que debe aprender a vivir en un mundo extraño donde todo es nuevo y en el que se siente única de su especie.  Si podríamos considerar que Hirokazu es su padre, su madre sin duda es Doona Bae. Dota de corazón a Nozomi metiéndose dentro de su cuerpo de plástico relleno de aire y soledad transformándola en una chica de carne y hueso y lo más importante, con alma. Entre los dos no solamente dan vida al personaje de Nozomi, dan vida a la película entera. Una obra maestra que sorprende, cautiva y te aprisiona el corazón.

Sin duda dos de las mejores películas de lo que llevamos de año. Imprescindibles.

Dos polos opuestos: Fantastaico Mr. Wes. Y “Ma che cazzata stai facendo” Medem.

En el 2004, Wes Anderson se sumergía en las profundidades marinas. Una vez dentro de aquel minúsculo submarino junto a su inseparable Bill Murray, Angélica Houston, Cate Blanchett, Williem Dafoe y compañía. Wes descubrió una nueva tierra aún no explorada, el maravilloso mundo de la animación. Fue en esos días cuando empezó a gestar Fantástico Mr. Fox junto a su amigo y colaborador Noah Baumbach.

Wes se mueve en la técnica del stop-motion como pez en el agua, o mejor dicho, como zorro en su madriguera, consiguiendo una auténtica película “Made in Anderson”.  Pequeños detalles presentes en cada imagen que cautivan y logran apresarte, títeres llenos de vitalidad y extravagancia conducidos por un dios que construye un mundo a su medida. Un dios que se sabe todopoderoso y que traza cada pincelada con extrema delicadeza. Rara vez, cinco personas refugiadas de la lluvia en una sala de cine un miércoles por la tarde, se arrancan a aplaudir cuando acaba la peli. 

En otra liga diferente parece moverse nuestro otro protagonista de hoy. Julio Medem. Su última película parecía tenerlo todo. Una ciudad sublime, actrices idílicas y una trama que sólo con leer dos líneas de la sinopsis encandilaba a cualquier  varón/macho heterosexual. Pero  al final solo se quedó en “Habitación en Roma”.

Un anuncio de teletienda de esos que venden ordenadores a las cuatro de la mañana en los que no puedes controlar los bostezos que te vienen cada diez segundos. Simple, aburrida, falta de alma, incapaz de transmitir nada de lo que se propone y que lo único que provoca es vergüenza ajena. Julio Medem parece haber perdido la brújula que tan bien le guío al “círculo polar” y ahora deambula caóticamente entre sus fantasías de madurez. Si Wes es como la ópera que cuando la ves por primera vez sabes si la vas a amar o a odiar, y sabes que será para siempre. Medem se está convirtiendo en un vino picado que parecía que con el tiempo iba a mejorar, y de tanto esperar se ha acabado estropeando.

THE END

Llegó el final más esperado desde hace mucho tiempo, y aunque esta vez no ha habido fundido a negro, tampoco se ha podido escapar de la polémica y de las decepciones como si del humo negro se tratara. Antes de nada diré que a mí personalmente el final me ha gustado mucho, me gustó la primera vez que lo vi (con ocho minutos menos gracias a la emisión de cuatro), y me gusta más cada vez que lo veo. Y ya van tres.

Mucha gente ha quedado decepcionada con el final de Lost por que no era el final que esperaban. Yo pensaba que la gracia de seguir una serie, y más si se trata de Lost, es la capacidad de sorprendernos y emocionarnos. Este desenlace, a mi parecer, cumple sobradamente estos dos requisitos. Tal vez el desenlace de la isla muchos lo podían intuir y a la vez esperaban más respuestas sobre toda la mitología que la rodea. Olvidan que en toda historia de ciencia ficción hay preguntas sin respuesta. Y enlazándolo con el desenlace de los personajes, si hubieran dado respuesta a todos los interrogantes de la serie, esta tendría una vida mucha más corta. En cambio, ahora todos somos libres de dejar volar nuestra imaginación, tratar de averiguar todas las incógnitas o especular en como hubieran seguido sus vidas. Por otro lado, el desenlace de la trama de los personajes (la realidad paralela) me pareció sublime, emoción a raudales en cada reencuentro, con varios puntos álgidos y un buen final, una oportunidad de despedirnos de todos ellos a la vez y una solución cerrada para los ansiosos. Todos aquellos que solo esperaban el último capítulo para conseguir las ansiadas contestaciones a cada una de las preguntas, deberían preguntarse por que los personajes siempre van bien peinados o nunca llevan la ropa rota, porque a las chicas nunca les crece bello en la axilas o porque Jack siempre lleva los zapatos impolutos. Si dejamos pasar todo esto y más y no nos quita ni una pizca de magia, para que torturarse, mejor que a partir de ahora sigamos haciendo el papel que ha hecho Hurley por nosotros en la isla. Seguro que es más saludable.

Pero la grandeza de Lost también reside en que ha llegado mucho más allá que cualquier serie que se haya hecho antes. Ha sido la primera serie en conseguir traspasar todas las fronteras posibles teniendo a miles de personas pendientes de que apareciera el siguiente capítulo cada miércoles en la pantalla del ordenador. Ha conseguido llenar cines y juntar a 400.000 personas delante del televisor un día a las seis de la mañana, que muchas de ellas lo hicieran quedando expresamente para ver el final, Incluso que alguien “cogiera prestado” un proyector de la universidad para que sus amigos vieran en casa el “The end” a lo grande.  

El domingo pasado, como cada domingo leía la columna de Albert Espinosa en El periódico de Catalunya. Allí contaba que para una amiga suya la relación con Lost era similar a la relación que se tiene con una pareja. “Los dos primeros años son idílicos. Al tercer año rompes con ella y juras que no volverás a verla jamás. Al cuarto año retornas porque sabes que algo extraño te une. El quinto es intenso y en el sexto hay grandes decepciones y alegrías aunque sabes que se ha de acabar por el bien de ambos.” Y yo aún sabiendo que nunca podré igualar al gran Albert añadiré… Y cuando todo se acaba te das cuenta de que seguro que un día tendrás otra, y te hará más  o menos feliz. Pero sabes que nunca la podrás substituir.

El Chico de los calcetines de rayas.

Para Tim Burton sus calcetines de rayas son sagrados. No hay un solo día en el que no se los ponga, y es que para Tim, sus calcetines rayados son la atadura que consigue mantenerle los pies en el suelo. Según él, antes de descubrir los efectos que le provocaban los calcetines rayados, Tim era un chico capaz de salir volando y pasarse los días perdido en las alturas. Allí daba rienda suelta a su imaginación sin que nada ni nadie pudiera molestarle. Ahora, con sus calcetines cubriéndole siempre los pies, aún estando atado a este mundo, sigue imaginando todo tipo de fábulas, como la que nos ocupa hoy: Alicia en el país de la maravillas.

La película es una adaptación muy libre de la novela de Lewis Carrol. Muy “libre”, que no muy personal. Tim Burton parece querer abarcar demasiado para quedarse en nada. El sello Burton aparece a cuentagotas en una historia que resulta aburrida, pesada y superficial. Con un inicio y un final sin ritmo ni sentido, llena de personajes secundarios vacíos, sin alma ni personalidad, interpretados por actores perdidos en el país del croma que parecen ponerle el mismo interés  que cualquiera que haya visto ya media hora de película, es decir, ninguno. Lo mejor de todo, cuando acaba. Te quitas por fin las gafas 3D y sabes que no te volverán a engañar y no volverás a ver una película en tres dimensiones si no ha sido filmada originariamente así.

Tim por favor, vuelve a quitarte esos calcetines que lo único que consiguen es que cada película que haces sólo mejore cuando haces la siguiente. Vuela y visita al chico de las manostijeras a ver si te inspira, date una vuelta con los extraterrestres de Marte o cásate con la novia cadáver. Y sobretodo olvida a Helena, Johnny y las tres dimensiones. 

Nadie saba nada de gatos persas.

Lejos de parecerse a cualquiera de las otras películas que podemos encontrar en la cartelera, nadie sabe nada de los gatos persas nos recuerda cual es la esencia del cine. Un cine en donde el star-system no ensombrece una película, los medios son irrelevantes y lo importante es el deseo de contar una historia. Crear o recopilar un pequeño fragmento de vida y enseñarlo al mundo.

En este caso, ese pequeño fragmento de vida nos lleva hasta Teherán. Un grupo de jóvenes iraníes quiere montar una banda de rock indie para salir a tocar fuera del país. Hasta aquí la historia parece la misma que la de cualquier grupo que nace en el garaje de su casa y sueñan con ser estrellas del rock. Pero en este caso va mucho más allá, los chicos alejados de la cultura musical popular islámica, son fans de la música occidental, perseguida y reprimida en el país. Y no sueñan tan siquiera  en convertirse en estrellas, sino simplemente con expresarse con libertad. La película pasa a convertirse en algo más, en un viaje a través  de los sótanos y los locales clandestinos en los que los jóvenes pueden manifestarse con total libertad, siempre con el miedo de ser denunciados y castigados.

 

Rodada casi en formato documental, el film del director del Kurdistán iraní Bahman Ghobadi tiene unas pinceladas de Once, Barrio y Persépolis sin perder ni una pizca de personalidad propia. Con una banda sonora inmejorable, canción a canción nos muestra la situación del país, evidenciando que aunque a priori puede parecer que nuestro modelo de sociedad está muy alejado del suyo, hay aspectos y actitudes que nos son muy cercanos, por un lado la necesidad de comunicarse libremente o sencillamente poder ser uno mismo. Y al mismo tiempo, la censura y la represión que sufren los que no siguen el modelo establecido.

Y Al final, cuando aparecen los títulos de crédito, la última canción suena y la luces aun no se han encendido se hace latente que solo hace falta contar ese fragmento de vida con sinceridad y nobleza para conseguir emocionar y conmover. ¡Ah!, Solo una pequeña pega. Hay alguna canción que no está subtitulada.

Dragones, mazmorras y alguna que otra obra maestra.

Durante este último mes es cierto que he dejado un poco abandonado el blog y no he escrito ningún comentario. Tal vez haya sido que me he pasado las semanas intentando entender los capítulos de Lost, o que todos los días tenía en mente el inminente Madrid-Barça, o simplemente por falta tiempo, los días iban pasando y nunca encontraba un momento para escribir. Pero eso no significa que haya dejado de ir casi religiosamente a misa, así que aquí va un pequeño resumen.

Sin ninguna duda la primera película fue la mejor. La Cinta Blanca. En  tres palabras: ¡UNA OBRA MAESTRA! Haneke nos transporta a un pueblecito de la Alemania de 1913, y con su blanco y negro nos envuelve como la manta de nieve que en invierno cubre los campos de trigo hasta dejarlos helados. Nos plantea varias preguntas incómodas, y nos “obliga” a presenciar situaciones difíciles tanto para los que las provocan como para los que las sufren. Con la Primera Guerra Mundial ya en el horizonte, nos enseña las consecuencias que tiene en un grupo de niños la frialdad y la crueldad de las doctrinas del pensamiento único, en donde cualquier conducta que se salga de los ideales preestablecidos debe de ser reprimida, escondida o castigada, siempre dependiendo de quién la lleve a cabo y quién la juzgue. Es una película pausada y dura. Todo se intenta esconder de todos, de todos excepto de nosotros. Una dureza presente tanto en hechos como en palabras, que en munchos momentos te deja con la boca abierta. ¡Qué grande eres Haneke!

Después vinieron dos pelis que aunque muy distintas en forma, acaban siendo muy similares en cuanto a resultado. Shutter Island de Scorsese y El escritor fantasma de Polanski.
Las dos son buenas películas y aunque no pasarán a la historia como uno de los mejores trabajos de sus reconocidos directores, sí que consiguen entretener y hacerte pasar un buen rato. Lástima que sólo se queden ahí. Las dos cuentan con un buen argumento y buenas interpretaciones. Scorsese repite por enésima vez con Di Caprio y cuenta además con Sir Ben Kingsley, Mark Ruffalo, Michelle Williams y  sobretodo Jackie Earle Haley para el que nunca hay personaje pequeño. Un reparto al que no tiene nada que envidiar Polanski que se apoya en Ewan
McGregor, El siempre odioso pero aquí acertado Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall, Y el gran Tom Wilkinson para el que no sólo no hay papel pequeño sino que

siempre lo convierte en un monstruo que se come la pantalla. Ahora bien, el problema de las dos películas es el mismo, tienen momentos de tensión que saben transmitir, eso sí, de manera intermitente. Consiguen llevarnos a un clima desconcertante, y lo más importante, logra que nos metamos de lleno en la película hasta el final. Pero (tenía que haber un pero), el desenlace se intuye mucho antes del final de la película. Un final tópico y que por si fuera poco Scorsese en particular se empeña a explicarnos cien veces.

Dos cosas a tener en cuenta:

1. A las primeras escenas de El escritor fantasma. El retorno de Timothy Hutton a la gran pantalla y sobretodo el retorno de Jim Bellushi después de un tratamiento a lo Super size me.

2. Un consejo. Intentad evitar siempre la sala pequeña del Renoir Floridablanca, he visto pisos de protección oficial más grandes. Pantalla tamaño lego, las butacas a lo vuelo low cost colocadas como si fueran las de un circo de pulgas dentro de una caja de cerillas. Y rezad para que todo el mundo llegue a su hora, la gente venga duchada de casa y la peli sea corta. Cada vez que alguien se levante tapará el proyector y lo único que veréis será una sombra a lo cine expresionista alemán. Yo personalmente, cuando se apagaron las luces susurré tres padrenuestros para tratar de quitarme la imagen de la cabeza de la alarma de incendios sonando y todo el mundo luchando por sobrevivir, unos pasando por encima de los otros como si fuera el primer día de rebajas.

La última película es Cómo entrenar a tu dragón. Una Película de animación más que decente. Una de aventuras clásica con diversos toques originales que relata las aventuras de un niño vikingo que no encaja dentro de su pueblo, y que gracias a ser distinto consigue llegar donde nadie ha llegado hasta entonces. Dreamworks demuestra que sin grandes estridencias se consigue una buena película para todos los públicos. Una buena historia y una más que correcta animación, un 3D bien integrado y la combinación de momentos emotivos y divertidos, consiguen encandilar haciendo que pase el tiempo volando sin más pretensión que la de pasar una hora y media con la sensación de haber elegido bien que película ir a ver una tarde lluviosa de primavera.

Y para acabar sólo un par de recomendaciones. La obras de teatro Boulevard y Un déu salvatge, sin palabras. Y la peli de dibujos lluvia de albóndigas, una pequeña joya que sorprende por una singularidad raramente encontrada en las películas infantiles.

Tiana y el sapo

Tiana y el sapo tal vez no pasará a la historia como una de las imprescindibles de Disney, pero por lo menos no se queda tan lejos como las anteriores. Desde hace unos años, Disney había intentado un cambio en la factura de sus películas para tratar de seguir los nuevos modelos de animación, como el de Dreamworks, o el de su prima hermana Pixar. Primero lo intentó con Chicken Little, un proyecto fallido por completo. Después con Bolt, con el que recuperaron a parte de su público infantil pero sin llegar a cautivar, y quedándose a años luz de su asociada y a la vez competidora Pixar. Al ver la acogida en el público de estos dos proyectos, la compañía parece haber decidido dar un paso atrás en el tiempo y volver a la fórmula que tan bien le había funcionado a finales de los ochenta y primera mitad de los noventa.
 

La historia de Tiana no se puede decir que sea muy original y diferente a la de otras películas Disney pero también es cierto que tiene personalidad propia. No sé si será por la ambientación de New Orleans, por los números musicales que habían casi desaparecido, o simplemente por los buenos recuerdo que afloran de cuando hacía grandes colas en el cine “el Dorado” para ver Aladdin, La Bella y la bestia o El rey león, y me comía un cubo de palomitas enormes mientras disfrutaba como un loco de la película. En Tiana doy fe de que los niños quedan cautivados. Todos ríen y algunos también lloran, se enganchan a la historia y a los números musicales, y se pasan en grande con los personajes secundarios. Pero sobretodo, disfrutan y se emocionan a cada instante. Quién sabe, quizás dentro de unos años ellos recordarán a Tiana y el sapo como yo recuerdo aquellas tardes en “el Dorado “.

La noche que el Titanic se estrelló de camino a Pandora.

Antes de que arrancara la gala el canguelo previo era similar al de un Barça-Madrid. En el fondo uno siempre piensa que va a ganar, pero justo antes del inicio del partido te sumerges en un mar de dudas y la tortuga empieza a asomar la cabeza. 

La gala empezaba, y de momento arrancaba bien. Después del monólogo de presentación del yayo Steve y el entocinado Baldwin, Christoph Waltz subía al escenario a recoger un merecidísimo Oscar por Inglorious basterds. Ya con la primera escena lo tenía ganado. En el siguiente premio Up! Se alzaba con la estatuilla a mejor película de animación. De momento vamos bien pensé, aunque el duelo Avatar vs En tierra hostil seguía empatado a cero. Dos premios más tardes caía el primero. Mejor guión original para En tierra hostil que inauguraba el marcador en una categoría en la que la “gran” Avatar no estaba ni nominada. Up! i Inglorious sí que lo estaban, una lástima aunque me consolaba ver que la victoria estaba un paso más cerca. En los premios siguientes Javier Recío se quedaba sin Oscar a mejor corto de animación con La dama y la muerte en beneficio de Logorama, y Precious ganaba un Oscar cantado para Mo'Nique que  de paso dejaba sin a Pe - Pesada Cruz como mejor actriz secundaria, y seguidamente, sorprendía con el de mejor guión adaptado. Entonces llegaban los premios técnicos y En tierra hostil golpeaba de frente: mejor edición y montaje de sonido. ¡Dos puntos más que suben al marcador! Pero mientras lo celebraba, salía al escenario Sandra Bullock. ¡Ah, mi amada Sandra!, tan bella como siempre anunciaba los nominados a mejor fotografía y otorgaba a Avatar otro punto a la vez que me clavaba un puñal en la espalda. 3-1 y casi sin dejarme disfrutar el Oscar de Up! A mejor banda sonora, caía el segundo para nuestro “amigo” el trilero JC con los mejores efectos visuales para Avatar. Merecido pero que jode igual. La gala avanzaba, los premios se sucedían y la distancia entre James Cameron y  Kathryn Bigelow era de tan solo una fila en la platea y de un premio en el palmarés. 4-3 después de otorgar la mejor edición a unos y la mejor dirección artística a otros.

Y de pronto allí estábamos, Bárbara Streisand en el escenario a punto de anunciar el Oscar a mejor dirección. Ya nada de lo anterior tenía valor. Por el camino el secreto de sus ojos,  una gran película, le había quitado el Oscar a la cinta blanca, y Jeff Bridges y mi tan deseada Sandra habían recogido sus premios a mejor actor y actriz protagonistas. El 4-3 era un resultado ajustado y el que ganara los dos últimos premios se llevaría la gloria también consigo. Bárbara abría el sobre, todo se ponía a cámara lenta, sacaba el papel con el nombre del ganador y decía esas dos palabras mágicas: Kathryn Bigelow, o lo que es lo mismo, ¡flipa con la  cara que pone JC justo detrás!, primero aparente alegría y después cara de palo disimulada por una falsa sonrisa que no podía cambiar. Celebración por todo lo alto, con esto ya me conformaba, tal vez Avatar gane el Oscar a mejor película pero la cara de JC había merecido la pena. Eso pensaba hasta que Forrest Gump salió al escenario, las dudas me volvían a asaltar cuando ¡corre Forrest, corre! Sin tan siquiera recordar los nominados, quitaba la etiqueta dell sobre y soltaba un En tierra hostil que me elevaba por los cielos a lo Jeff Bridges en el Gran Lebowski. Y desde allí arriba, en las alturas, divisé debajo de mí a un hombre en medio del mar remando un pequeño bote salvavidas llenó de billetes de dólar, descendí despacio hasta quedarme a un par de metros encima de su cabeza.

-    ¿Cómo se llama?, Le pregunté intrigado.
-    James. Me dijo con voz temblorosa y una pequeña sonrisa en los labios.
-    ¿Qué  le ha pasado?
-    Mi barco se ha hundido, me dirigía a Pandora cuando choqué con un iceberg. No sé cómo voy a llegar. Tal vez podrías ayudarme, ¿por casualidad no sabrás donde me encuentro?

Y mientras me alejaba le contesté. En tierra hostil.